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小学校の頃から親の影響もあって、『レオン』や『007』などの映画のポスターに惹かれて集めているような子供でした。中学2年生くらいのときにTUGBOATという広告制作会社が手がけたドコモのCMを観て「かっこいい！」と思って、広告の仕事に興味を持ち始めました。美大のグラフィックデザイン学科を志したのもそれがきっかけです。大学在学中には実際にデザイン会社でアルバイトしたり、クリエイティブチームの手伝いをしていたのですが、広告制作は自分には合わなくて…。作家活動に絞っていきたいと思うようになりました。

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中高生の時には『STUDIO VOICE』や『relax』などの雑誌を読んで、裏原宿のカルチャーに興味を持っていました。グラフィティやグラフィックデザイン、ファッションシーンでも盛り上がっていたフィギュアカルチャーなどを見て、いろんなことが盛り上がっていた当時は楽しそうだなと思っていました。主に大学に入学してからは、現代美術の作家も知って、サイ・トゥオンブリ－や、静物画を中心に描いていたジョルジョ・モランディ、アンリ・ミショー、数え切れない作家の影響を受けていると思います。

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数年前に亡くなってしまったグラフィックデザイナー・佐藤晃一さんの授業は強く印象に残っています。なかでも「自分の個展のポスターを作る」という課題では、その当時に実際に個展を開けるほど自分の作品が揃っているわけではないので、“もし個展をやるなら、自分はどんなコンセプトで、どんな作品を展示するのだろう”と想定してポスターを制作しました。僕は2つ並んだ円に耳のような線だけを描いた『のっぺらぼう』というタイトルのポスターを制作したのですが、それを見た先生に、アンフォルメルと呼ばれる抽象表現主義の作家たちを教えてもらいました。その時にそれらの作家の存在を知れたことは、僕の表現の入り口になっています。

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大学の卒業制作ではポスターを作りました。学生時代の経験から、自分は「平面」に強く興味を持っていると気がついたので、平面からイメージが表出する瞬間や、“存在の境界”を意識させるような作品を作りたかった。“キャラクター”を象っている輪郭に着目し、それを曖昧にした時にどの地点まで“キャラクター”を認知させられるか、このときは一枚の紙をモチーフの影の輪郭線で所々切ることで、“半”平面、“半”立体のようなポスターを制作しました。この卒業制作の作品が、今の線を用いた表現にも繋がっていると思います。

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それは、どちらも同じような割合だと思います。自分がやりたい表現もあったし、広告の仕事をやりながら表現活動を続けるのは難しいだろうという判断もありました。アシスタントデザイナーとして仕事をしていた時も作品は作り続けようと思っていましたし、在学中からアルバイトをさせてもらっていたクリエイティブチームにもその意向は伝えていたんです。人の要望を聞いてデザインすることも広告の仕事の面白さだと思うのですが、僕はだんだん自分の欲の方が大きくなってしまった。最初から自分がやりたい事だけやりかったんですね（笑）。今でもグラフィックデザインを見るのは好きですけど、仕事として自分には向いていないのがわかりました。

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僕は“世界をどう見るか”について興味があって、それを自分なりに表現したい。もちろん根底には、単純に“絵を描きたい”という気持ちも変わらずあるんですけど、今は自分で見たものを写真に撮るようなイメージで伝えていきたい。ずっと撮っている写真も、“自分”を表現するわけではなく、あくまで“自分が見た世界や光景”を表現したいと思って撮っていて。最近は、そのイメージがドローイングに近いのではないかと思っています。作家活動に専念した時から、結局自分はやりたいことをやるだけ。仕事やお金は結果として付いてきたらいいなと思ってここまでやってきました。

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削り始めたのは、宮城県石巻市で開催されたアートフェス「Reborn-Art Festival 2017」に参加して、3ヶ月ほど滞在したのがきっかけです。その時に虫食いの跡がついた木片を見つけて、それが僕の線に似ていると思ったんですね。虫が食っているのに線が妙に均等、なのに有機的ですごく面白いなって。僕は最初、デジタルのイメージで均等な線を描き始めたのですが、そこからはかなり対照的だと思っていた自然物に似ていたことにびっくりしました。その虫食いの跡を見て、自分も削ってみようと。木片に引かれたラインは虫食いの跡だけど、僕の作品は機械で作った跡。僕は壁画も作るんですが、壁画も石器時代から存在するアートなので、そういう意味では、“昔からあるものと現代のものを繋げて世界を見る”のを面白がっているのかもしれません。以前は、東京で生まれ育って自然にあまり馴染みのなかった自分が、自然から由来したイメージを作るべきじゃないのかなと考えたこともあったのですが、結局は繋がっているもので、最近は区別する必要もないと思っています。

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最初に自分のやりたいことを考えて、実現できそうだと糸口を見つけた時でしょうか。その後は面倒くさい作業もたくさんあるんですけれど（笑）、完成形が見えてくるとまた興奮しますね。個展を開催する際も、コンセプトを考えついた時と、展示のイメージが完成形に近づいた時は嬉しいです。

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以前から、博物館のような展示をやりたいと考えていました。でもストレートにはしたくなかった。僕は自分の作品に洞窟壁画のようなイメージを持って作っているところがあって、骨董品として扱われたり、欠片しか残っていない未来があっても面白い。実際に古物を収集している「アウトオブミュージアム」の小林眞さんや、作品のインスピレーションが僕と似ていたルーカス・デュプイというアーティストに声をかけました。平行世界にあったかもしれない考古学の展示をイメージして「PARALLEL ARCHEOLOGY」と展示タイトルを冠して、展示されているものが作品として作られた物なのか、どこかから出土した物なのかが“分からない”状態を作りたかったんです。

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アートに携わる人も含めて様々なカルチャーに携わる人が、分け隔てなく交われる場であってほしいです。自分たちがカテゴライズされたくないと思っていても、周囲はどうしてもカテゴリーに分けてしまいがちだと思うので、ミックスされる場所があったら面白そうですよね。

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あんまりないですね。ただ、日本にずっといるのも面白くないし、海外に滞在してみたいという思いはあるのですが、こんな世界になってしまって…。落ち着いたら、世界の色々なところを見てみたいです。別に住みたいとは思っていないのですが。